Literary Criticism

Nostalgia After Nazism

Author: Heidi M. Schlipphacke

Publisher: Bucknell University Press

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Category: Literary Criticism

Page: 312

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"In this path-breaking book, Heidi Schlipphacke provocatively argues that German and Austrian aesthetics since World War II have more in common with the aesthetics of developing countries than with Western ones. Her original analysis of key films and texts challenges our view of the impact of globalism on culture and forces us to re-examine the meaning of nostalgia. Given its interdisciplinary scope, this important book should be read by anyone interested in contemporary literary or aesthetic issues."---Astrida Tantillo, The University of Illinois at Chicago "Nostalgia After Nazism is a compelling, sophisticated entry in the growing field of German and Austrian memory studies. It introduces into German studies a nuanced set of tools drawn from the broad panoply of contemporary theory and sets those voices onto the broader historical landscape of post-World War II confrontations between the West's recent history and its present. The result is a highly readable, impeccably documented volume that joins the best of literary history and close readings to a broad spectrum of theoretical models. Nostalgia After Nazism offers an exemplary model for cultural scholarship after the supposed `end of theory,' recapturing how theory, history, and the texts of culture are mutually illuminating."---Katherine Arens, The University of Texas at Austin This book maps nostalgia and its displacements in the works of seminal post-Holocaust German and Austrian authors and filmmakers such as Ingeborg Bachmann, Elfriede Jelinek, Rainer Werner Fassbinder, Michael Haneke, Tom Tykwer, and Robert Menasse. By focusing on nostalgia, the author links the central tropes of post-fascist German-language culture (home, family, history, nation) with affect. Within the former Nazi countries, the author argues, nostalgia encounters a taboo, since the fascist past must never be idealized. Nostalgia After Nazism utilizes globalization theory in order to delineate a cultural particularity within the former Nazi nations. The caesura of the Holocaust has produced an historical and affective break that distinguishes these nations from other European countries. Germany and Austria experienced a regression to a pre-modern state during the period of the Third Reich; hence, their belated reentrance into modernity following the fall of Nazism has had profound implications for national identity and aesthetics. The compulsive fixation with the Nazi past has resulted, the author proposes, in a hesitant and tenuous engagement with the post-national discourses of globalization. Through the lens of nostalgia, this book traces confrontations with history and home in post-fascist German and Austrian literature and film. These works often enact a repetition compulsion of the critique of Nazism via a focus on the tainted spaces of family, home, and nation. A nostalgic longing for the damaged home is possible only in an alienated form, and many contemporary German-language authors and filmmakers represent scenes of departure from the entrapping space of home to other countries. Hence, Nostalgia After Nazism also outlines a shift from the aesthetic project of historical critique to instances of transnational nostalgia that combine a critique of recent history with a global concept of home. Through an analysis of the historical affect of nostalgia, this book offers a unique route of access to the conflicted emotions of loss and alienation that characterize contemporary Germany and Austria. Nostalgia After Nazism engages scholarship in the fields of literary and film studies, philosophy, gender studies, and globalization studies. It takes part in current discussions about cultural particularities and local and national nostalgias by focusing on the anomalous cases of Germany and Austria. It provides novel readings of works by canonized and important new German and Austrian authors and directors, juxtaposing these readings with interpretations of comparable Anglo-American texts. This book will be of interest to students and scholars in German and Austrian Studies, European Studies, comparative literary and cultural studies, cinema studies, Holocaust studies, and gender studies, as well as to those working on modernity/postmodernity, globalization, and contemporary notions of temporality and affect.

Postmoderne Strategien im Film

Author: Wiebke Wolter

Publisher: GRIN Verlag

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Page: 108

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Magisterarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Filmwissenschaft, Note: 1,6, Universitat Leipzig (Kulturwissenschaften), Veranstaltung: Filmtheorie und philosophische Asthetik, Sprache: Deutsch, Abstract: Auf die Frage, ob seine Filme postmodern seien, antwortete der Regisseur Aki Kaurismaki in einem Interview: Ich habe das Wort gebraucht, doch ich verstehe es nicht. Ich habe die letzten funf Jahre versucht, seine Bedeutung zu begreifen, aber es ist mir nicht gelungen. Trotzdem habe ich das Gefuhl, dass THRU THE WIRE [Kaurismaki 1987] ein wenig postmodern ist. [...] Was bedeutet dieses Wort? Sagt es mir." Die Interviewer, gestandene Filmjournalisten, reagierten mit Ratlosigkeit. Diese Episode scheint bezeichnend fur die Debatte um den postmodernen Film zu sein: keiner weiss genau, was damit gemeint ist und dennoch wird das Schlagwort postmodern" im Zusammenhang mit dem Film haufig genannt - oft von Filmkritikern, manchmal in einem pejorativen Kontext, manchmal als Kompliment. Die Filme, die in der Literatur mit dem Label postmodern" versehen werden, sind durchaus verschieden. Die Liste beginnt bei Kultfilmen" wie CASABLANCA (Curtiz 1942), fuhrt uber Spektakel-Blockbuster" aus Hollywood bis hin zu den typisch postmodernen Autorenfilmen" - den verstorenden eines David Lynch und den spielerisch-zitatreichen von Quentin Tarantino. Das Attribut postmodern" scheint auf alles zu passen und erweckt damit den Eindruck eines beliebigen und wenig fundierten Schlagwortes. Ziel dieser Arbeit ist darzustellen, auf welche unterschiedlichen Weisen vom postmodernen Film gesprochen wird, welche filmasthetischen Merkmale postmodern genannt werden und ob es, abseits der Beliebigkeit, Sinn ergibt von einem postmodernen Film" zu sprechen
Language Arts & Disciplines

Postmodern and Oriental Elements in 'Moulin Rouge!': Film Analysis

Author: Sylvia Krenn

Publisher: Diplomarbeiten Agentur

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Category: Language Arts & Disciplines

Page: 116

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Die Arbeit analysiert Baz Luhrmanns Film ?Moulin Rouge!? (2001) vor dem Hintergrund postmoderner und orientalischer Stilmittel in Literatur und Film. Moulin Rouge! ist nach Strictly Ballroom (1992) und William Shakespeare?s Romeo and Juliet (1996) das letzte Werk in Luhrmanns ?Red Curtain Trilogy?. Charakterisierend fr diese Art des Filmschaffens ist, dass der Fokus auf der Art der Erz„hlung bzw. der Erz„hlform liegt, und nicht prim„r auf ihrem Inhalt. Moulin Rouge! verknpft Elemente des amerikanischen Musicals der 40er und 50er Jahre mit europ„ischen Charthits der 1990er und Erz„hltechniken aus Bollywood Filmen. Dabei spielt er mit postmodernen und poststrukturalistischen Ph„nomenen wie Intertextualit„t, mehreren Erz„hlebenen sowie der Selbstreflexivit„t der Figuren als auch der Geschichte. Der Film ist laut, bunt und hektisch. Kitsch oder Kunst oder beides - das bleibt eine Frage des Geschmacks.
Art

Die nichtlineare Erzählstruktur des postmodernen Films am Beispiel "Mulholland Drive" von David Lynch

Author: Nadine Jügling

Publisher: diplom.de

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Category: Art

Page: 162

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Inhaltsangabe:Zusammenfassung: Die vorliegende Arbeit untersucht die Filmnarration des (post)modernen Kinos. Besonderes Augenmerk liegt auf der unkonventionellen Erzählstruktur, die entgegen dem klassischen Hollywoodkino vorgeht. Die Filmanalyse (Hauptteil) beschäftigt sich näher mit David Lynchs „Mulholland Drive” und belegt inwieweit dieser Film postmodern ist. Theoretisch und mit Beispielen aus der Filmgeschichte wird im ersten Teil eine Abgrenzung zwischen dem modernen und postmodernen Film vorgenommen. Der moderne Film wird charakterisiert. Vorgehensweisen gegen das konventionelle Hollywoodkino werden erörtert. Nähergebracht wird dies durch verschiedene Beispiele, u.a. durch Sergej M. Eisensteins Ästhetik der Grossaufnahme, die Auflösung der Filmnarration bei Luis Bunuel oder Maya Derens Auflösung von Zeit und Raum zugunsten einer flüssigen Bewegung. Weiter wird die französische Nouvelle Vague besprochen. Demgegenüber wird der postmoderne Film, von mir als Reflektion auf die Medienwelt verstanden, näher analysiert. Anhand mehrerer Kriterien wird die Abgrenzung vom modernen Kino beschrieben. Definiert von mir sind folgende Merkmale eines postmodernen Films: - Postmodernes Kino als Medienreflexion. - Die Doppelcodierung. - Die fragmentierte Struktur des postmodernen Films. - Die Künstlichkeit des Dargestellten. - Überwältigung der Sinne. - Autonomie der synästhetischen Reize oder Hierarchieschwund. Diese Kriterien werden im Hauptteil auf das Werk von David Lynch übertragen. Auf die Frage, ob „Mulholland Drive” ein postmoderner Film ist, wird unter Einbezug anderer Filme Lynchs detailliert eingegangen. Neben biographischen und filmographischen Daten zu David Lynch ermöglicht uns die Filmanalyse näher in das Spektrum dieses surrealen Films einzutauchen, denn Verweise zur Nichtlinearität finden sich im gesamten Filmtext. Lynchsche Codierungen werden mit Beispielen erläutert und die Ähnlichkeit zwischen der Traum- und der Filmerzählung werden anhand einiger Kriterien auf „Mulholland Drive” übertragen. Dieses Wissen macht eine Deutung des Films mit hoher Wahrscheinlichkeit möglich. Letztendlich ist diese Arbeit eine Reise in die Filmgeschichte, die (Post)moderne und in die unterbewussten und surrealen Welten des Filmemachers David Lynchs. Inhaltsverzeichnis:Inhaltsverzeichnis: Zusammenfassung1 Inhaltsverzeichnis2 1.Der postmoderne Film5 1.1Merkmale des postmodernen Films6 1.1.1Postmodernes Kino - Eine Medienreflexion6 1.1.2Die [...]
Performing Arts

Der postmoderne Film

Author: Axel Limpert

Publisher: GRIN Verlag

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Category: Performing Arts

Page: 13

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Studienarbeit aus dem Jahr 2004 im Fachbereich Filmwissenschaft, Note: 2,5, Universität Duisburg-Essen, 12 Quellen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, Abstract: Der Begriff „Postmoderne“ wird häufig dafür benutzt, künstlerische Phänomene zeitlich zu verorten. Doch die Debatte folgt nicht nur einem genuin kunsthistorischen Kontext. Vor allem Literaturwissenschaften, Philosophie und Soziologie arbeiten mit dem Begriff und haben sich dieses Schlagworts angenommen, um ihn ausdrücklich gegen den Begriff der „Moderne“ abzugrenzen. Darüber hinaus ist er längst zu einer Modevokabel außerhalb des akademischen Diskurses avanciert. Diese Hausarbeit skizziert die Debatte an einem konkreten Beispiel: dem Film. Dabei widme ich mich in einem ersten Schritt (Kapitel 1.1.) dem Ausdruck „Postmoderne“: zunächst erkläre ich die Entstehungsgeschichte des Begriffs Postmoderne sowie die Sichtweise einiger postmoderner Philosophen. Kapitel 1.2. stellt wesentliche Stilelemente des postmodernen Films vor. Besonders das Element des Zitats ist in diesem Kontext wichtig, ohne das der postmoderne Film nicht zu denken wäre. Denn das postmoderne Kino spielt häufig ironisch mit Versatzstücken aus anderen Spielfilmen und weiteren Kunstgattungen, etwa der Architektur. Deshalb stelle ich im dritten Kapitel Beispiele für den postmodernen Film vor, die insbesondere mit Zitaten arbeiten.
Literary Criticism

Oriental and Postmodern Elements in Moulin Rouge!

Author: Sylvia Krenn

Publisher: diplom.de

ISBN:

Category: Literary Criticism

Page: 118

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Inhaltsangabe:Introduction: The show will be a magnificent, opulent, tremendous, stupendous, gargantuan, bedazzlement! A sensual ravishment. It will be Spectacular, Spectacular . Zidler is right. That is what Moulin Rouge! is spectacular. Zidler, the impresario of the Moulin Rouge, tries to sell the bohemian play 'Spectacular, Spectacular', which Toulouse and Christian present to the Duke. However, Moulin Rouge! is 'Spectacular, Spectacular' and vice versa. The Duke is the maharajah, Christian is the penniless sitar player and Satine is the beautiful courtesan. Luhrmann's latest work is loud, colorful, fast, postmodern, a melodrama and a musical, and it is about love. Opinions are much divided over this film and many critics wonder if it is just bad taste and kitsch or an ingenious piece of film art. In other words, it is an original Baz Luhrmann. Until today, the Australian director produced three movies, which he calls the 'Red Curtain Trilogy'. He started with Strictly Ballroom in 1992, followed by William Shakespeare's Romeo and Juliet in 1996 and ended with Moulin Rouge! in 2001. Luhrmann calls his way of filmmaking a theatricalized cinema style . Baz Luhrmann definitely is a unique and versatile character. However, if his film is art or trash remains a matter of opinion. Luhrmann himself disassociates from any categorization in the sense of low culture and high art, taking into account that back in time Shakespeare was also considered as popular culture in the same way, as operas were the lowest form of culture at their peak times. He counters his critics and their objections, die Story ist dünn und simpel , with, Doch gerade das ist eine Konvention des Musicals, aber auch der Oper, mit Ausnahme von Wagner. Aber eigentlich zieht auch Wagner nur einen dünnen Plot in die Länge. The other often expressed criticism that his latest work, is a direct assault on eyes, ears, and expectations (Abele), and hard to exceed in terms of kitsch, he only defies with the credo that, Persönlicher Geschmack ist der Feind der Kunst. . Moulin Rouge! is a mélange of film, music and dance. Set in 1899 but with contemporary music it is a work of extremes. Everything in this film seems to scream: 'anything goes!'. Nevertheless, Luhrmann follows a concept. Nothing in this film happens accidentally but it is his own style. Luhrmann's 'Red Curtain' style comprises several distinct storytelling choices. He uses a rather simple story, based on a well-known [...]
Performing Arts

Postmoderne Figurenkonstruktion - Die Auflösung des Ichs: Sailor Ripley in David Lynchs "Wild At Heart"

Author: Laura Heuer

Publisher: GRIN Verlag

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Category: Performing Arts

Page: 27

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Studienarbeit aus dem Jahr 2005 im Fachbereich Filmwissenschaft, Note: 1,0, Ruhr-Universität Bochum (Institut für Medienwissenschaft), Veranstaltung: Figur und Perspektive: Konstruktionen in Fernsehen und Kino, 20 Quellen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, Abstract: Ein ‚psychopathischer Norman Rockwell’, der ‚Wizard of Odd’, der ‚Zar des Bizarren’, oder auch ‚all American Martian boy’ sind nur einige der Bezeichnungen, die in den letzten Jahren für David Lynch gefunden wurden , in dem Versuch seinen Hang zu Kleinstadtidylle und Horror, Traum und Trauma, exzessiver Gewaltdarstellung und unschuldiger Nostalgie zu beschreiben. Lynchs Filme folgen ihrer eigenen Logik und Ästhetik, und weigern sich dabei beharrlich ‚traditionell’ zu funktionieren; stattdessen zersetzen sie die klassischen Darstellungskonventionen des Hollywoodkinos. Insofern sind Lynchs Werke exemplarisch für die Postmoderne und Lynch treibt das Spiel mit Allusionen und Ironie, Nicht-Linearität und Absurdität weiter als die meisten anderen zeitgenössischen Regisseure, die in Hollywood Filme machen. Auch Lynchs Wild at Heart (USA 1990) funktioniert nicht im Sinne erzählerischer Rationalität, Kausalität und Kontinuität. Ganz im Gegenteil spielt hier Dekonstruktion eine wichtige Rolle, und, so stellt Georg Seeßlen fest, „diese Auflösung betrifft die drei wesentlichen Grundzüge filmischer Erzählung gleichermaßen, nämlich den Raum, die Zeit und die Personen.“ Die ‚Auflösung der Person’, wie Seeßlen es nennt, soll im Folgenden unter dem Gesichtspunkt der Art und Weise postmoderner Figurenkonstruktion genauer untersucht werden. Trotz der überwältigenden Zahl von Beiträgen zur Postmoderne-Diskussion seit den 50er Jahren, gibt es allerdings kein theoretisches Analysemodell für postmoderne Figuren, was auch daran liegt, dass das, was als Postmoderne bezeichnet wird, sich einer Definition immer wieder entzieht, da sie in ihrem Wesen fragmentarisch und heterogen ist , und sich eher durch einzelne, durchaus widersprüchliche Merkmale, als durch ein komplexes Theoriemodell beschreiben lässt. Daher werde ich zunächst einige allgemeine Charakteristika der Postmoderne darstellen – wobei ich mich hauptsächlich auf Ihab Hassans Text „Postmoderne heute“ und Fredric Jamesons „Postmoderne – zur Logik der Kultur im Spätkapitalismus“ stütze – die ich aber gleich am Beispiel von Wild at Heart auf den filmischen Kontext beziehe. In einem zweiten Schritt werde ich dann die Figur Sailor Ripley aus Wild at Heart vor dem Hintergrund dieser Merkmale analysieren und einige allgemeine Konstruktionsmethoden ableiten, bzw. der Frage nachgehen, wie zentral die ‚Auflösung der Person’ für die postmoderne Figurenkonstruktion wirklich ist.